Tesis Doctorals - Departament - Pintura

URI permanent per a aquesta col·leccióhttps://hdl.handle.net/2445/42583

Estadístiques

Examinar

Mostrant 1 - 20 de 48

Salvaguarda del patrimoni nacional: la conservació i restauració en el Reial Monestir de Santa Maria de Pedralbes
(Universitat de Barcelona, 1994) Camañes i Sánchez, Carolina; Milicua, José, 1921-; Universitat de Barcelona. Departament de Pintura
[spa] La tesis está formada por dos volúmenes, el primero de 507 páginas y el segundo de 324. La primera parte es una historia del monasterio de Pedralbes desde su fundación en 1326 hasta nuestros días, incluyendo la vida de la única monja que se dedicó a traducir y clasificar los numerosos pergaminos y documentos que llenan el archivo comunitario, no visitable por el público, a finales del siglo XIX. Esta monja, llamada Sor Eulalia Anzizu, murió en 1916 y está enterrada en el propio monasterio. Incluye esta parte el abaciologio completo desde 1327 y numerosas fotografías del recinto, así como la historia de las distintas grandes restauraciones y modificaciones llevadas a cabo a lo largo de los siglos en todo el edificio. Acaba este volumen con una bibliografía de 22 páginas. La segunda parte es un conjunto rigurosamente clasificado de 43 fichas de restauración de todas las otras cosas que en este siglo se han restaurado (tallas, telas, retablos y diferentes objetos de museo) con sus fotografías de antes y después de la intervención y una extensa explicación de todo el proceso de restauración, así como de todos los materiales usados en ella. Dado el formato del libro y las especiales características del trabajo de restauración llevado a cabo en el monasterio y de la precariedad del taller allí existente, se ha creado la ficha CCS (iniciales de la doctoranda) hecha a la medida de la restauración en Pedralbes.
La influència de Joan Miró en la ceràmica contemporània espanyola
(Universitat de Barcelona, 2006-03-02) Madola, 1944-; Suàrez, Alícia, 1943-; Universitat de Barcelona. Departament de Pintura
[cat] L’objectiu principal de la present tesi és estudiar com, d’ençà de l’aparició de l´obra ceràmica Joan Miró, ha anat canviant el concepte de la ceràmica contemporània, fent especial menció de la influència de l’obra mironiana en alguns dels ceramistes internacionals de la segona meitat del segle XX. L’enfocament de la recerca s’ha iniciat amb un estudi sistemàtic i teòric de l’evolució històrica de la ceràmica contemporània, des dels segle XIX fins avui dia. Creiem convenient presentar aquest apartat, ja que per una banda, hi ha poques aportacions recollides sota aquest títol de forma pragmàtica i, per altra banda, ens permet situar-nos millor en el context artístic de la meva recerca. Aquí hem de destacar ja, la informació aportada entorn a uns inicis del treball entre els pintors i els escultors, ja sigui a Amèrica, ja a Europa. Per tal també de situar Joan Miró dins d’aquest món d’artistes consagrats en la ceràmica, s’ha cregut oportú incloure una breu referència als principals ceramistes d’Europa, Nord-Amèrica, Japó i Espanya. Hi observarem també un apartat dedicat a la relació històrica entre l’escultura i la ceràmica, unió tan treballada en tota l’obra de Joan Miró. Una segona part aprofundirà en l’obra de Joan Miró en el món de la ceràmica: llenguatge (materials, processos tècnics, ...), la col·laboració amb Artigas, la ceràmica com a complement de l’arquitectura (murals i les peces de gran format), i la ceràmica en relació amb el conjunt de l’obra de Joan Miró. Tot conforma una cosmovisió ben travada i articulada que fa de l’obra mironiana un veritable exemple en el concepte d’art. I per últim, si la meva hipòtesi de treball parteix de la idea que existeix una influència de l’obra mironiana en alguns dels ceramistes internacionals de la segona meitat del segle XX, és en aquesta tercera part de la tesi que s’hi demostra exhaustivament.
Llum i Ombra: Romanticisme, fotografia i noves aportacions
(Universitat de Barcelona, 2004-05-07) Pastó, Cristina; Vilà, Antònia, 1951-; Universitat de Barcelona. Departament de Pintura
[spa] Esta tesis considera la subjetividad romántica como elemento crucial y fundamental en el nacimiento de la imagen fotográfica. El redescubrimiento de la mirada por parte de artistas y poetas del romanticismo se une de forma decisiva con los trabajos de óptica y fotoquímica de los científicos e inventores de principios del s. XX. La figura de William Henry Fox Talbot (1800-1877) que realizó las primeras fotografías junto a Daguerre, muestra de manera muy clara que la fotografía supone además de la conquista de una imagen técnica la aventura para la conquista de un espacio íntimo. El estudio comienza con el análisis de las pinturas románticas nocturnas alemanas, especialmente de C. D. Friedrich (1774-1840) y C. G. Carus para pasar luego al análisis de fenómenos cómo las sombras, los dioramas y panoramas, la linterna mágica…, inventos a medio camino entre la ciencia y el arte, donde la experiencia de la luz y la oscuridad son cruciales para llegar hasta la mirada fotográfica con las primeras fotografías de Niépce, Daguerre y Talbot y luego retornar hacía el concepto de la noche en el arte contemporáneo con artistas como Christian Boltaski(1944), Kara Walker(1969), o Vija Celmins(1938). En la fotografía tiene lugar los principios fundamentales de los románticos según los cuales el conocimiento se produce por una combinación de arte y ciencia. En el ojo de la cámara es donde coinciden la mirada científica y la artística.
Silenci, musicalitat i misteri. El sentit de la pròpia pràctica pictòrica
(Universitat de Barcelona, 1992-01-01) Descarga, Joan, 1947-; Sala Rosselló, Gerard; Universitat de Barcelona. Departament de Pintura
[spa] olem significar que el propòsit d'aquesta tesi no ha estat el de fer un estudi exhaustiu i detallat de les obres dels pintors triats, ni tant sols el de buscar antecedents justificatius del propi treball pictòric, o de les passions que el motiven. La intenció primordial ha estat el reflexionar sobre el sentit de la pròpia pintura, sempre des de la passió del pintor. Aquesta reflexió s'ha fet en companyia de Paul Klee, Joan Miró i Julius Bissier, tres pintors que són per l'autor d'aquest treball un autèntic mirall, no tant en l'aspecte formal com en el conceptual i emocional. Metodològicament s'ha fet un recorregut per uns aspectes que creiem formen part consubstancial tant en la pintura dels tres pintors esmentats com en l'obra del propi autor. Ens referim novament al misteri, la musicalitat i el silenci. Al llarg de la tesi aquests tres aspectes així com els seus "protagonistes" estan interrelacionats en un constant anar i tornar. Estructuralment aquest treball s'ha dividit en tres capítols. El primer tracta del misteri inherent a tot acte creatiu distingint, d'una banda, l'enigma de la pròpia gènesi i d'altra, el misteri de l'obra en ella mateixa, en tant que objecte autònom. El recorregut per aquest laberint és una reflexió sobre el sentit de la pròpia obra a través d'un codi simbòlic iniciat l'any 1988. En el segon es fa referència als primers interlocutors, els primers miralls, els companys triats per aquest viatge en espiral. Finalment el tercer capítol aborda dos conceptes molt vinculats: el silenci i la musicalitat. En el cas del silenci es fa des de tres punts de vista. Com a llenguatge visual, en la gestació .de l'obra i per últim la seva percepció.
La geometria del color. Lectures des de l'abstracció
(Universitat de Barcelona, 2006-12-13) Agustí, Eugènia; Vilà, Antònia, 1951-; Universitat de Barcelona. Departament de Pintura
[cat] El nucli de la tesi és l'ús del color des d'una determinada poètica artística, l'abstracció. S'empra com a paradigma un conjunt de sis artistes que tenen com afinitat el seu treball de color en l'àmbit de l'«abstracció geomètrica». Es sostè la hipòtesi que l'obra dels autors s’interpreta, es llegeix, com una carta de color especial en cada cas. El artistes escollits són Sol Lewitt, Bridget Riley, Aurélie Nemours, Max Bill, Véra Molnar i Pablo Palazuelo. Tant el tema escollit com el seu estudi es justifiquen des de la meva inquietud artística entorn a l’abstracció geomètrica i el color. La genealogia d'autors inclosa en la tesi respon a una complicitat intuïda que neix després de veure i seguir llur obra al llarg del temps, que m'ha aportat una amplitud de perspectives per entendre els processos que jo mateixa he estat desenvolupant en el meu treball. La tesi es disposa en dues parts: un primer volum amb l'estudi pròpiament, i un segon volum que acompanya la investigació amb una selecció del meu treball gràfic ja que tant el tema escollit com l'estudi es justifiquen des de la meva inquietud artística entorn a aquesta temàtica.
Ressonàncies cromàtiques del delta del Ganges
(Universitat de Barcelona, 2015-01-29) Raventós Pagès, Marc; Planas Rosselló, Miquel; Universitat de Barcelona. Departament de Pintura
[cat] Mitjançant dietaris i pintures, es mostra el procés creatiu de ressonàncies cromàtiques del delta del Ganges. La deriva és un procediment d'acció, més que de moviment. És un posicionament espacial dels surrealistes, un procediment dels situacionistes, un deixar-se anar en l'espai i en el temps i, en última instància, un mecanisme per a la investigació artística. El remot és un lloc proper i alhora llunyà, un lloc mental obert al coneixement, el domini de la realitat imaginada. Després d'un llarg procés d'investigació i un extens treball de camp, explico com la pràctica de la deriva es converteix en una escola de la mirada, en un mecanisme de mirada per a l'artista, en una eina per a la recerca del remot. El fet de la deriva provoca una ampliació de temàtiques i llenguatges expressius. I, el més important, aquest procés es converteix en una eina extraordinària per a la creació artística
Non-destructive condition assessment of painting canvases using NIR spectrometry
(Universitat de Barcelona, 2012-02-13) Oriola Folch, Marta; Campo, Gema; Universitat de Barcelona. Departament de Pintura
[spa] El soporte de tela de los cuadros se compone mayoritariamente de celulosa. Una de las vias de degradación de la celulosa es la hidrólisis ácida, que implica que en un ambiente ácido (bajo pH), la degradación se produce a una velocidad mayor. La principal consecuencia de esta acidez es la ruptura de las cadenas del polímero de celulosa que se mide a través del grado de polimerización (DP). Una disminución del DP implica que las fibras y los tejidos tienen una resistencia mecánica menor, y consecuentemente este parámetro se puede utilizar para monitorizar el estado de conservación de estos materiales. Así pues, el conocimiento de estos dos parámetros, pH y DP puede ser muy útil para la mejor conservación del soporte textil de los cuadros. El objetivo principal de esta tesis ha sido determinar si el espectrómetro de infrarrojo cercano (NIR) Labspec 5000, se podría calibrar para que, de manera totalmente no destructiva, pudiera determinar el estado de conservación del soporte de tela de los cuadros a través de medir el pH y el DP. Esto efectivamente se consiguió utilizando la herramienta de quimiometría PLS (Partial Least Squares). Se obtuvieron errores de predicción de ±0.43 para el pH y de ±275 para el DP. La calibración para la identificación del tipo de fibra también se pudo hacer utilizando el Discriminant Analysis, otra herramienta de la quimiometría. Para poder construir el método NIR no destructivo, primero había que analizar de manera destructiva un número significativo de muestras que fueron tomadas de cuadros mayoritariamente de los siglos XIX y XX. El segundo objetivo principal de esta tesis ha sido conocer cuáles son los valores típicos de pH y DP y el tipo de fibra de los cuadros. Por lo que a esto se refiere, los resultados han sido que la tela de los cuadros tiene, la mayoría de las veces, un carácter ácido (la media de los resultados de todos los cuadros fue de pH 5.51, con una desviación estándar de 0.66). El estudio del pH ha permitido constatar que la tela de los reentelados realizados con pasta de harina, en general, es claramente más ácida que la tela de los cuadros no reentelados. En relación al tipo de fibra, se ha detectado que las telas de yute són más ácidas que las de lino y algodón. No se ha encontrado una relación directa entre la fecha de los cuadros y su valor de pH, y sólo una ligera relación entre la fecha y el DP. Se detectó que pH y DP están fuertemente correlacionados, aunque no de manera directa, cosa que implica que hay otros factores como el tipo de fibra, la fecha del cuadro u otros, que influyen en la correlación entre estos dos parámetros. El tercer objetivo principal de esta tesis ha sido establecer el significado de los varios valores de DP por lo que se refiere al estado de conservación de la pintura sobre tela. Esta información junto con el valor de pH, sirvió para diseñar una ¿Clasificación según el estado de conservación¿, cosa que habría de permitir establecer una organización de los cuadros según las acciones de conservación-restauración a emprender. Se realizó un test con la participación de un grupo de conservadores-restauradores especializados en pintura sobre tela y procedentes de distintos países que permitió ver que la apreciación subjetiva del conservador-restaurador sobre el estado de conservación de las muestras de tela, en general se corresponde con el grado de polimeración de éstas. A través de los resultados de este estudio se pudo establecer que el valor de ¿DP crítico¿ para un cuadro está en <400 y el valor de ¿DP seguro¿ está en >1400. La ¿Clasificación según el estado de conservación¿ se diseñó teniendo en cuenta toda esta nueva información y por eso se priorizó el tratamiento de aquellos cuadros con una tela más ácida pero con valores de DP todavía no muy bajos, puesto que los resultados indicaban que estos cuadros serían los que más se beneficiarían de algún tipo de tratamiento de desacidificación (activo o pasivo). El último objetivo de la tesis ha consistido en aplicar la técnica NIR no destructiva desarrollada, así como la ¿Clasificación según el estado de conservación¿ sobre un caso real de pinturas pertenecientes al Museu Nacional d¿Art de Catalunya (MNAC), fechadas alrededor del año 1900. También se ha estudiado un grupo menor de cuadros de Salvador Dalí de la Fundació Gala-Salvador Dalí. Los resultados han corroborado por un lado la buena aplicabilidad del método no destructivo dessarrollado y, por otro, la acidez (y la presencia de cierta degradación) de la tela de todos los cuadros. Habiendo confirmado, tanto que la tela de los cuadros es mayoritariamente ácida como la influencia que ésta tiene en la velocidad de su degradación, se considera que es de vital importancia empezar a tomar medidas para contrarrestar la acidez de las telas; especialmente si la intención es no aplicar operaciones tan intrusivas como el reentelado en los cuadros durante el máximo tiempo posible. Juntamente con esto, se detecta que es necesaria mucha más investigación sobre los efectos positivos y negativos de la desacidificación de la tela de los cuadros, así como también el estudio de los orígenes concretos de esta acidez (materiales originales, materiales de restauración, entorno de las obras, etc.).
La representació i comprensió de la forma en la pintura per capes
(Universitat de Barcelona, 2017-09-29) Carbonell Martínez, Pau; Quílez Bach, Miquel; Quílez Cepero, Natalia; Universitat de Barcelona. Departament de Pintura
[cat] Aquesta tesi tracta del mètode pictòric i la tècnica d'execució de tres exercicis pictòrics, set retrats en total realitzats per l'autor, com un procés d'aprenentatge i evolució de les mateixes capacitats representatives. Amb l'anàlisi de l'obra personal i de com aquesta s'adapta en l'àmbit de la pintura realitzada amb capes amb poca acció de cobertura, així mateix es realitza l'anàlisi d'aquests set retrats dels quals es desenvolupa el seu procés pictòric per fases i estadis. Mitjançant la documentació amb imatges fotogràfiques dels diferents passos realitzats. A mesura que se succeeixen les imatges, es comenten els passos seguits, a on s'explica els materials que s'han fet servir, com aquests s'apliquen i quin resultat s'aconsegueix com es mostra al passi d'imatges generals i als detalls d'imatge. D'aquesta manera s'incorporen conceptes referents a aspectes tècnics dels materials que s'empren, conceptes referents al mètode pictòric i conceptes referents a l'anàlisi formal de l'obra pictòrica. El projecte d'aquesta tesi arranca de la necessitat de donar sentit a la mateixa obra pictòrica com a objecte d'estudi. A part de la necessitat personal, que es justifica per la presa de consciència i millora de la qualitat tècnica de l'obra pictòrica, si hom es pregunta per la necessitat d'un projecte de tesi sobre l'obra pictòrica personal, haurà de comprendre l'evolució de les capacitats representatives com a font de coneixement, que es produeix durant la trajectòria personal d'un pintor figuratiu, o millor dit il·lusionista, a l'hora de satisfer les necessitats de representació de la forma pictòrica, les quals es van actualitzant al llarg de la seva trajectòria personal.
Miquel Barceló. Insularitat i creació
(Universitat de Barcelona, 1997-07-02) Coll, Tónia, 1965-; Salabert, Pere, 1945-; Universitat de Barcelona. Departament de Pintura
[spa] La tesis establece un paralelismo entre la insularidad geográfica y humana y el proceso creador de un artista. El artista es entendido como una isla con los mismos problemas y mecanismos para formarse y para romper su aislamiento y conectar con el continente de los hombres. La tesis se ha dividido en dos partes: la primera hace un recorrido por la trayectoria vital del artista ligándola a la insularidad y la segunda está compuesta por comentarios de las obras respondiendo a un corpus limitado, representativo y selectivo de las mismas. El proceso creador de Miquel Barceló consiste principalmente en saturarse completamente de un entorno para poder asimilarlo, captar sus ritmos más sutiles y fusionarlos con su consciencia creadora para así poder transportarlos con toda su intensidad matérica al lenguaje pictórico. Para eso necesita constantemente cambiar de taller, de ciudad, de espacio, y espiritualmente, hasta de tiempo. Su centro vital se encuentra en la isla, la isla contiene su cultura íntima y moral y la isla ha formado su imaginación y su percepción. Sus aportaciones más importantes al arte son sus "sopas", autentica metáfora del tiempo y de la memoria; sus mesas, su energía y capacidad para el trabajo lo convierten en un pintor importante que ha creado un estilo propio con una calidad endémica similar a la flora y fauna de las islas.
Praxis de la pintura de paisaje Símbolo y emoción, en el umbral entre lo visible y lo espiritual
(Universitat de Barcelona, 2017-03-13) Prunés, Àlex; Quílez Bach, Miquel; Muñoz, Glòria, 1949-; Corbella, Domènec, 1946-; Universitat de Barcelona. Departament de Pintura
[spa] El presente trabajo de investigación parte de la idea de que la pintura de paisaje se resuelve, mediante la creación de una imagen del componente visible de los elementos y de los objetos que constituyen dicho paisaje, en exposición simbólica así como en proyección emocional relacionada con esos objetos. Expuestos en primer lugar los principales fundamentos conceptuales y una serie de antecedentes históricos, incluidas las referencias a algunos de los principales pintores de paisaje occidentales (entre los cuales se citan algunos referentes del país de origen del autor) y otros de la pintura tradicional china (con la que se establecen numerosos paralelismos) y comparando esta disciplina con el juego del ajedrez; se sigue analizando los objetos que constituyen el contenido de dicho género y se tratan distintos aspectos formales, técnicos y procesuales. Finalmente el autor aporta su propia experiencia práctica con la pintura de paisaje, razonada en motivaciones, métodos y procesos, y exponiendo parte significativa de las imágenes que ha realizado como pintor de paisaje a lo largo de su trayectoria artística. Así pues, el trabajo de investigación es un tratado sobre pintura de paisaje que parte de una hipótesis definida, y que lejos de tratar el tema de manera únicamente especulativa, pretende justificarlo y demostrarlo mediante la exposición de los factores que conducen al resultado de la propia praxis pictórica.
La ilustración del libro chino: de la xilografía tradicional a las nuevas técnicas occidentales
(Universitat de Barcelona, 2016-02-15) Chieh, Wang; Corbella, Domènec, 1946-; Universitat de Barcelona. Departament de Pintura
[spa] Desde el punto de vista temático, la investigación aborda la ilustración del libro chino de un modo general, si bien tratando la influencia entre las relaciones con los ámbitos literario, pictórico, cultural, social y técnico. A pesar de su vasta amplitud, se profundiza en las tipologías y características formales, estéticas y técnicas de la xilografía por antonomasia de la ilustración del libro chino. Dicha temática está plenamente justificada por los conocimientos y la producción ilustrativa del autor de la tesis y, asimismo, por la proximidad de las fuentes documentales existentes, que se hallan en su mayor parte en Taiwán, gracias a la salvaguarda de Chang Kai Shek tras el levantamiento de Mao Tse Dong. Por tanto, los fondos documentales xilográficos investigados existentes en Taiwán nos dan un juicio y conocimiento completo, esencial y pleno de la ilustración del libro chino. Cabe destacar que la mayoría de las xilografías investigadas son de autores anónimos, artesanos formados en la tradición ancestral que aprendieron a expresar los aspectos sociales y culturales más importantes de cada dinastía. En total se han examinado 283 ilustraciones, gran parte de las cuales son desconocidas por el público general, dado que se hallan en los fondos de reserva de la Biblioteca Museo Palacio Nacional y la Biblioteca Nacional, ambas de Taiwán. Es cierto, sin embargo, que la investigación ha llevado al autor a adquirir y formar su propia biblioteca de facsímiles, reproducciones fieles de incunables de los siglos ix-x y de otros libros de hasta principios del siglo xx. Los contenidos sobre el origen y desarrollo técnico y material del libro ilustrado abarcan desde el período clásico al período Qing, pasando por todas sus dinastías: Han (202 d. C.-220), Tres Reinos (222-280), Jin (279-589), Sue (581-619), Tang (618-907), Cinco Dinastías (907-960), Song (960-1279), Yuan (1271-1368), Ming (1368-1644) y Qing (1644-1912). De todas las dinastías mencionadas, cabe destacar la dinastía Tang, puesto que su reinado coincidió con el momento en el que apareció la xilografía, además de centrarse en los factores de las obras del maestro Gu Kaizhi del período Jin, que tanto por su originalidad como por su creatividad pueden considerarse el origen técnico y estético de la ilustración. Asimismo, los elementos estudiados a través de los análisis tipológicos nos demostrarán la antigua vinculación artística entre la ilustración y la pintura china. Los conceptos literarios mencionados en esta tesis son imprescindibles para el desarrollo de la ilustración, relacionada con la literatura popular, y nos sirven para profundizar en el conocimiento estético de la misma. En este sentido, cabe destacar la dinastía Song, por las influencias del neoconfucionismo que dieron origen a una nueva concepción de la pintura china literaria, en la que esta se separa de la ilustración y da lugar a la fundación de la ilustración del libro chino. Por otra parte, tampoco debe olvidarse el entusiasmo por el estudio de la historia de las clases altas de la dinastía Song, que se nutrió de la literatura secular que va formando una nueva literatura potencial para el nuevo desarrollo de la ilustración. En cuanto a la dinastía Ming, el período más conocido de la historia de la ilustración china, no solo nos hemos dedicado a analizar la recuperación material y técnica de la ilustración que tuvo lugar en sus inicios, sino que también hemos abarcado ampliamente los factores culturales y sociales para profundizar en el conocimiento del apogeo del arte ilustrativo. Asimismo, nos hemos centrado en el estudio del cambio del concepto literario y la aparición de las nuevas literaturas como la novela y la dramaturgia, que sirvieron de fondo de inspiración para las mejores ilustraciones de China. Se profundiza en el conocimiento de la evolución del estilo de la ilustración a través del análisis de las obras de los seis centros de publicación, según sus aspectos temático y tipológico, o el comparativo de ciertas versiones emblemáticas que servirán de muestra de la trayectoria o evolución de la ilustración conseguida por los maestros anónimos. Todos estos conocimientos nos dan a entender lo esencial de las obras de los maestros de la dinastía Ming. Aparte del estereotipo de la ilustración xilográfica de la dinastía Qing como un arte en declive, cabe destacar el análisis de la ilustración litográfica que apareció en la segunda mitad del siglo XIX, consecuencia de la introducción de las nuevas técnicas occidentales y de los nuevos medios ilustrados como los periódicos y las revistas. En este sentido, analizamos las nuevas ilustraciones litográficas de estilo tradicional y occidentalizado para demostrar la actitud de los ilustradores frente a las novedades técnicas inéditas. La tesis incluye más de quinientas notas a pie de página y una bibliografía con más de un centenar de referencias citadas, además de otras muchas de carácter general. Al final de la tesis se incluyen dos anexos con una selección de colecciones de ilustraciones de libros antiguos y de manuscritos del autor de la tesis, como testimonio del complejo proceso de la plasmación de las ideas al idioma materno chino para su posterior transcripción al español.
Pervivencia de la pintura abstracta en Mallorca en la posmodernidad. Las generaciones de los 50 – 60 y las nuevas generaciones
(Universitat de Barcelona, 2016-02-11) Bauzá March, Mateo; Planas Rosselló, Miquel; Universitat de Barcelona. Departament de Pintura
[spa] El primer límite en que situamos nuestro trabajo es de orden geográfico (y por extensión, de tipo cultural). Hunde sus raíces en la isla de Mallorca. Nuestro interés, por ello, parte de un conocimiento directo de este contexto, tanto de sus instituciones como de sus mecanismos culturales, sin dejar de lado su sistema de galerías. En el ejercicio del trabajo artístico y creativo radicado en la isla de Mallorca, si nos centramos en la pintura, podemos encontrar un grupo heterogéneo y activo de artistas, que, de forma rigurosa y profesional vienen dedicándose con asiduidad a la práctica de la pintura abstracta. Nacidos en las décadas de los años cincuenta y sesenta (con algunos antecedentes previos) y a los que han ido añadiéndose nuevas generaciones, sus autores desarrollan su trabajo en el taller y hacen pública su actividad en exposiciones en una continuidad que se extiende desde los años setenta hasta la actualidad. Su relevancia crítica puede rastrearse principalmente en la prensa de las Islas Baleares, en un contexto local. El estudio de investigación que presentamos engloba también a artistas foráneos, mayores en edad, venidos de Estados Unidos, Inglaterra o Argentina y que han ocupado un lugar relevante en el desarrollo de la plástica abstracta de la isla durante el periodo mencionado. La primera idea del estudio que nos proponemos se gestó con motivo de la exposición de pintura de la Conselleria de Cultura del Govern Balear que, bajo el título de Abstraccions (Pintura no figurativa a les Illes Balears), se realizó en la La Lonja de Palma de Mallorca (un edificio emblemático de la ciudad) durante los meses de Septiembre y Octubre del año 1996. Incluía una amplia nómina de artistas cuyo número total era de cincuenta y siete pintores, todos relacionados con la pintura abstracta. Estudiamos este grupo de artistas porque su trabajo se encuentra en muchas ocasiones oscurecido, sobre todo, por pertenecer a una rama del arte que no exhibe características de moda o actualidad. Tratamos de reafirmar la vitalidad de esta tendencia, a la que estos pintores se entregan desde el ejercicio individual, conocedores todos ellos de las corrientes actuales. La práctica de la pintura de taller exige unas cualidades de dedicación lenta que no se prodiga demasiado en la posmodernidad. El hecho de que sigan practicando la pintura, y el respeto personal hacia ellos así como la creencia en la validez artística de su trabajo, me han animado así mismo a realizar este estudio. Su elección se justifica también por el buen nivel plástico reconocido de las obras de estos artistas, motivo que les hace merecedores de un estudio que ofrezca un testimonio conjunto de su actividad, ya que todos ellos continúan trabajando en lo que creen: La práctica de la pintura abstracta, independientemente del hecho que ésta no pertenezca demasiado al discurso principal establecido por una crítica centrada principalmente en otras cuestiones (tales como el cuerpo, el lenguaje, la performance, la instalación, las cuestiones de sexo e identidad, el arte del tercer mundo y el arte dirigido a aspectos sociológicos diversos). Son asimismo válidos por la necesidad de inclusión de estas prácticas pictóricas en nuestra cultura y sociedad, por su interés por preservar la legitimidad de la identidad artística en una sociedad de masas, con la total ubicuidad de los media como agentes de transformación del pensamiento y conducta del hombre actual, por su interés en la necesaria coexistencia y dialéctica del mundo de las nuevas tecnologías y soportes electrónicos en lugar del soporte tradicional de la técnica de la pintura. Existe, por todo ello, una necesidad de definir y acotar el ejercicio de la pintura abstracta en los años en que el mundo ha sufrido grandes transformaciones -el mundo de la globalización- y ello ha afectado las características tanto del artista como de la recepción y presentación de la obra de arte. Y, finalmente, nos sigue interesando el estudio de la existencia de proyectos artísticos específicos concretos que siguen valorando la abstracción como medio expresivo.
F(r)icciones con lo real: las cajas chinas
(Universitat de Barcelona, 2016-02-08) Carreño, Montse, 1970-; Vilà, Antònia, 1951-; Puig, Eloi; Universitat de Barcelona. Departament de Pintura
[spa] La investigación que desarrolla esta tesis doctoral trata de fakes, del uso de archivos y del museo, tres elementos clave unidos por el contexto generado entorno al proyecto artístico titulado Las cajas chinas. Un relato que se desdobla como una matrioska, albergando en su interior las capas subyacentes y los vínculos que al cruzarse desencadenan un acontecimiento. La trayectoria que desplegamos origina un diálogo expandido entre dos emplazamientos –China y Expaña–, un viaje transversal y diacrónico dirigido a generar una narrativa ficticia a la vez que verosímil en torno a la copia y lo falso. El relato enlaza un episodio de nuestra historia reciente –la destrucción y desaparición del patrimonio artístico durante la Guerra Civil–, encadenándolo con el presente. Nos trasladamos a Dafen, un suburbio de Shenzhen (China) dedicado actualmente a la reproducción de obras de arte y conocido como Oil Painting Village. Las cajas chinas circulan por un escenario que asocia la macro-factoría de copias chinas con las grandes fábricas de la memoria; la producción masiva de réplicas de pinturas célebres elaboradas manualmente al óleo por la vasta comunidad de la ciudad de los pintores, transforma la noción de valor simbólico del patrimonio que configura el museo. El dispositivo museístico descontextualizó los objetos artísticos, convirtiéndolos en signos susceptibles de recombinación, y creó valor material de los bienes culturales. En el reverso del sistema artístico –como la cara opuesta de una moneda– situamos al gran aparato de la reproductibilidad china, que genera el beneficio del desarraigo de esos signos –perpetuamente disponibles para el reciclaje– y los pone a circular de nuevo. Nuestro objetivo concluye al introducir las copias chinas en el museo camufladas como “originales”, resultado de una maniobra de re- significación de la estructura de relaciones que enlaza el patrimonio cultural y los consumos globales.
Mercat primari de l’art contemporani a Catalunya
(Universitat de Barcelona, 2016-01-29) Causadias Domingo, Isabel; Tapias Gil, M. Dolors; Ameller Ferretjans, Carles; Universitat de Barcelona. Departament de Pintura
[cat] Mercat primari de l'art contemporani a Catalunya és un treball d'investigació sobre les galeries d'art i els intermediaris que centra el seu estudi empíric a Catalunya. En la dissertació s'efectua una revisió històrica del mercat de l'art i l'origen de les estructures comercials que han marcat el naixement de les galeries com a mediadors en el sistema de l'art. Mitjançant l'exploració dels intermediaris a través d'entrevistes s'explica quines són les estratègies de funcionament del mercat, quin és el paper que tenen les galeries, i com s'estableixen les relacions entre artistes, galeries i col•leccionistes. Més específicament, l'estudi centra l'atenció sobre la funció de la confiança en el mercat de l'art com a mecanisme de reducció de riscos i costos de transacció.
Mind The Gap. Experiències i representacions contemporànies entorn del forat
(Universitat de Barcelona, 2016-01-26) Morell, Jordi (Morell Rovira), 1975-; Negre, Marta, 1973-; Velilla Lon, Carlos; Blanch, Teresa (Blanch Malet); Universitat de Barcelona. Departament de Pintura
[cat] En aquest estudi utilitzo el forat com a leitmotiv per presentar un conjunt de propostes artístiques, que es generen des del compromís i la implicació social i política. M’interessa posar èmfasi en la recerca de sentit per mitjà de l’experiència i la representació visual contemporània, a partir de relacionar uns fets i unes situacions bàsicament urbanes, de caràcter local i d’altres de global amb propostes creatives. Després d’unes aproximacions prèvies al terme forat, els continguts s’estructuren al voltant de tres blocs: «1. Solars i descampats», que fa referència a espais urbans en situació d’entretemps, que surten momentàniament del sistema productiu i que habitualment són espais marginals, d’abandó i limítrofs; «2. Rastres de violència», en què sobretot s’analitza la representació visual contemporània a través de les empremtes d’actes violents, especialment els relacionats amb conflictes bèl·lics, i «3. Cos i forat», en el qual se cerquen relacions del cos amb el forat, en particular el cos en reclusió i el treball físic de l’acte de cavar. Aquest estudi es conclou, en forma d’epíleg, amb consideracions sobre l’obra artística pròpia, buscant el diàleg i la resignificació entre aquesta i els artistes i conceptes presentats en els tres blocs.
Senyals visuals i creació artística: quotidianitat i referents 1990-2015
(Universitat de Barcelona, 2016-01-20) Cova, Massimo; Genovart, Adolf, 1953-; Corbella, Domènec, 1946-; Universitat de Barcelona. Departament de Pintura
Aquesta tesi investiga obres, projectes i models de creació artística contemporània que adopten, com a referents formals i conceptuals, unes senyals visuals espontànies, traces efímeres i transitòries presents en els entorns quotidians i generades pels comportaments i les interaccions de les persones. Vam definir, en el seu inici, l'àmbit d'aquesta recerca des de la nostra experiència docent a secundària, per l'interès envers la varietat de les senyals visuals espontànies generades pels adolescents a l'escola, com també en el seu valor expressiu i comunicatiu. En aquell moment fou el començament d'un projecte artístic personal. A partir d'aquí, el desenvolupament de la pròpia recerca ens va mostrar autors, connexions entre obres i projectes de creació dins d'un espai visual més ampli de materialització i de significació relatiu a la nostra societat global. Hem observat que una part significativa de la producció artística actual té com a referents de creació signes i elements visuals propis d'aspectes de la vida quotidiana, relacionats amb les complexes conseqüències de la internacionalització econòmica i cultural, així com del desenvolupament i de l'expansió de les noves tecnologies. Dins del context artístic contemporani considerem que pot haver-hi un espai per plantejar una reflexió sobre la capacitat que té l'art contemporani de formalitzar i reconfigurar dins de la seva pràctica, a partir d' aquests indicis visuals, emprats com elements de significació oberta, alguns valors culturals d'individus o de col.lectius. La metodologia d'investigació de la tesi s'ha estructurat en dues línies paral•leles: una principal de recerca sobre els processos de creació artística o plàstica, però també de construcció conceptual i projectual, desenvolupada des de les obres de diferents autors relacionades amb els referents considerats, i una segona de producció artística personal annexa. Des del començament hem vist i analitzat, amb visites a exposicions i a manifestacions artístiques internacionals i locals, obres realitzades o vinculades a aquests entorns visuals i culturals. Hem comprovat com els artistes, en les seves pràctiques, han considerat aquestes senyals, petjades i signes visuals, utilitzant llenguatges artístics sovint interdisciplinaris; i, en efecte, de com aquests procediments han definit el procés productiu i la seva conceptualització. Les obres tractades en aquesta tesi s'han organitzat, en certa mesura, per categories de significació destacades en el debat actual, evidenciades i ampliades al llarg de la investigació, com són la virtualitat, el consum, les noves tecnologies, la violència, les migracions o la comunicació mediàtica entre d' altres. Quant a la part productiva personal, s'ha generat certa reconsideració dels materials i dels suports plàstics, així com dels continguts, a través de la creació d'obres vinculades als marcs de referència examinats, que han anat evolucionant fins a concretar un projecte artístic i noves línies experimentals. Amb aquests resultats oberts i sense cap voluntat conclusiva, creiem que podem contribuir a ampliar, ordenar i aprofundir alguns aspectes rellevants de l'experiència artística contemporània, aportant arguments d'anàlisi i de significació, i ordenant recursos productius de la pràctica creativa contemporània, que es troben vinculats i proposats en aquesta tesi.
Invisible structures = Estructures invisibles
(Universitat de Barcelona, 2016-01-14) Milne, Jo, 1966-; Vilà, Antònia, 1951-
[eng] This thesis is an investigation into the visualization of cosmological propositions associated with string theory. Research into the work of contemporary theoretical physics led to the question, how does one visualize what cannot be seen? The imperceptible nature of the hypothetical propositions of string theory opened up an exploration into what forms in the past have been given to invisible structures and what kinds of methods have been used to visualize them? My artistic research looks at some of the methodologies and methods used by artists and scientists to visualize structures that can't be seen by the naked eye. I present a series of examples that reflect some of the direct and indirect methods used to instantiate invisible structures in the arts and the sciences. These examples configure an eclectic atlas of visualizations that evidence the use of drawing, indexing and simulation to reveal imperceptible structures that are physical, temporal, recorded and invented. It considers some of the visual shifts in the interpretations of other cosmological models and the impact technological advances have had on the visualization of the micro-cosmos. It traces some of the connections linking visualization practices in the arts and sciences and highlights the importance of inference and imagination in the visualization of what can't be seen. My conclusion indicates that there are many ways to visualize what lies beyond the naked eye but that all involve human agency. The findings point to the role tacit knowledge and context play in the fabrication of visualizations of invisible structures. It highlights the historical specificity of visualization practices and the importance aesthetics play in both the arts and sciences. I conclude that to visualize invisible structures is to weave an intricate web of fact and fiction. But the elaboration of these visualizations can facilitate understanding and offer insights into otherwise imperceptible phenomena.
El Valor de una Obra de Arte: Estrategias de Comunicación para Influenciar su Valor de Mercado
(Universitat de Barcelona, 2016-01-11) Batllori Lloveras, Gloria; Planas Rosselló, Miquel; Ansotegui, Carmen; Universitat de Barcelona. Departament de Pintura
[spa] En los últimos años el ambiente de los mercados financieros ha cambiado drásticamente con la venida de nuevas tecnologías y la expansión económica. La sofisticación de los mercados financieros ha atraído la atención del público hacia los nuevos instrumentos y prácticas financieras, las obras de arte que se ven ahora como una inversión alternativa. La proliferación y sofisticación de los mercados de arte ha sido objeto de muchos estudios académicos que han ido analizando el funcionamiento de las obras de arte a lo largo del tiempo, comparando las categorías de colecciones de arte con la actuación de los mercados de valores, examinando el valor de las obras de arte en el contexto de la situación actual de las economías nacionales y mundiales, y proyectando qué podría significar el trabajo artístico como activos para el futuro de los mercados financieros. Sin embargo, se ha prestado poca atención a las maneras de generar e incrementar el valor de mercado de una obra de arte para la obtención en el futuro de rendimientos financieros mejores manteniendo esta obra de arte como un activo financiero. Este trabajo se fijará en el área no desarrollada de la gestión de la divulgación de información para influenciar el valor del arte explorando cómo se gestiona la divulgación de información referente a otros activos financieros (sobre todo, las acciones corporativas) a través de técnicas de comunicación conocidas como comunicaciones financieras o relaciones con los inversores. Se pondrá en evidencia el arte como un nuevo activo financiero alternativo y se subrayará su paralelismo con los mercados de valores. Entonces el trabajo será mostrar la importancia de revelar información y su comunicación para generar valor en el arte de una manera similar a cómo es importante para una corporación divulgar información para tratar de incrementar la percepción del rendimiento de la empresa y, como consecuencia, el valor de sus acciones. Para continuar con la discusión, la parte empírica de este proyecto, analiza el impacto de la divulgación de información en medios de comunicación financieros en la generación de valor del arte y propone un marco preliminar para futuros desarrollos en esta área. Para la realización de la parte empírica se ha utilizado un medio muy utilizado en el mercado financiero, el Financial Times. Dicho periódico tiene una sección semanal dedicada al mercado del arte cuyo editor, Georgina Adam, goza de elevada reputación en el mercado internacional del arte. El proyecto analiza la divulgación de información sobre la valoración y comercialización de piezas de arte en los artículos de los últimos cinco años del Financial Times. Se ha realizado un análisis cualitativo del texto a través de herramientas estadísticas de tipo cualitativo. Estas técnicas de análisis de la información permiten identificar los términos que se utilizan con más frecuencia y la relación entre ellos y así identificar palabras e información en general que podrían influencian la percepción sobre el valor del arte. De este análisis se deriva la necesidad de próximas líneas de investigación centradas en identificar el impacto de las técnicas de comunicación en la valoración de las obras de arte. También se derivan conclusiones importantes sobre el mecanismo de ventas y el lugar de las ventas como factores determinantes del mecanismo de los precios. Ha sido muy interesante realizar este proyecto puesto que me ha permitido constatar la interdependiencia entre las finanzas y el mercado del arte, relación fundamental en la comercialización de las obras de arte. En ningún momento pretendo realizar ninguna valoración estética ni ofrecer mecanismos para valorar estéticamente una obra de arte. Ésta es una tesis de orientación económica que no pretende indicar mecanismos de valoración de las obras de arte ni tendencias del mercado del arte. Es un proyecto de investigación de carácter cualitativo centrado en la divulgación de información como mecanismo para gestionar la percepción del rendimiento financiero de la inversión en arte.
Lo mágico en la cultura y la pintura paisajista gallega de 1830 a 1930
(Universitat de Barcelona, 2015-12-17) Salgado Pérez, Judit; Corbella, Domènec, 1946-; Universitat de Barcelona. Departament de Pintura
[spa] La presente investigación se centra en el estudio de la presencia de lo mágico en la cultura y el paisaje gallego y, por ende, su evidencia en la pintura paisajística gallega entre 1830 y 1930. Para ello se profundiza en el estudio del concepto de lo mágico como noción estética y su relación con el paisaje gallego. Para poder entender el porqué y un posible origen de lo mágico en Galicia se indaga en la antropología social y cultural, principalmente la mitología y los perfiles simbólicos y morales que configuran el imaginario popular y la propia sociedad gallega. Además, se estudian los vínculos entre lo mágico, el paisaje gallego, el paisano gallego y, por extensión, el artista, lo que permite ver cómo estos vínculos configuran el espíritu y el carácter gallego Por otro lado, es importante tener en cuenta cómo la revalorización de la tradición popular y el afianzamiento del paisaje como tema independiente desde el siglo XIX en Europa, de la mano de movimientos como el Romanticismo y el Realismo, influyen en la pintura paisajística gallega de la época. Finalmente, cabe destacar el análisis de una serie de nociones estéticas que están presentes en el paisaje de Galicia y que colaboran en la evocación de un paisaje mágico, así como el estudio de aquellos pintores gallegos en los que lo mágico y dichas nociones estéticas se encuentran patentes en un grado relevante en su obra paisajística.
Santiago Sierra y Teresa Margolles. Estética de la impotencia y el desencanto
(Universitat de Barcelona, 2015-12-17) Campiglia, María; Planas Rosselló, Miquel; Quílez Bach, Miquel; Universitat de Barcelona. Departament de Pintura
[spa] La presente investigación realiza un estudio a profundidad de la obra de Santiago Sierra y Teresa Margolles, quienes han trabajado en México desde el inicio de la década de los 90, y que ocupan hoy un destacado lugar en el circuito artístico internacional. Suele argumentarse que la importancia de su obra radica en visibilizar los increíbles niveles de violencia y polarización de la riqueza existentes en nuestra sociedad, constituyendo no sólo una denuncia sino un llamado a la reflexión ya la toma de postura crítica. Este trabajo cuestiona estos argumentos y enuncia que en la obra de ambos productores visuales existe una clara discordancia entre el discurso que las valida y las estrategias concretas seguidas para su realización. Pone particular atención a las prácticas de denigración y maltrato, así como a las dinámicas de objetualización y comercialización de los sujetos. ¿Nos encontramos frente a un arte de denuncia o simplemente somos testigos de un ejercicio de violencia perpetrándose dos veces sobre el mismo cuerpo? La hipótesis que se pretende demostrar es que su obra se articula a partir de la reproducciónde algunas de las lógicas más brutales del sistema económico y político vigente en México. La investigación establece diversos puntos de coincidencia entre el trabajo de Santiago Sierra y Teresa Margolles, plantea la existencia de una línea de continuidad en su obra y ubica la genealogía de sus propuestas en el periodo de instauración del neoliberalismo en México. Se realiza por tanto una reconstrucción de la serie de cambios experimentados por el circuito artístico mexicano durante aquél periodo, advirtiendo cómo las modificaciones suscitadas en el terreno político fueron acompañadas de una profunda transformación en la manera de entender el sentido y los límites del quehacer artístico. Se analiza la insistencia de ambos productores visuales (muy acorde al discurso de importantes sectores de la comunidad artística mexicana a inicios de la década de los 90) en afirmar la impotencia del arte, y se recuperan diversas declaraciones en las que queda de manifiesto su abierto desinterés por incidir en la realidad social. ¿Qué sentido parece tener entonces su trabajo? Si entendemos el arte como estrategia reflexiva, como herramienta para cuestionarnos sobre nuestra realidad, su quehacer no podría limitarse a la enunciación de lo existente sino que debería dirigirse a proponer mundos posibles.La reflexión se encuentra inexorablemente ligada a la posibilidad de creación, al deseo de incidir en la realidad (que puede aparecer como algo remoto o parcial, pero sin duda irrenunciable). La investigación concluye con una reflexión teórica, y una serie de imágenes en torno a la ética como ente capaz de resistirse a la impotencia y el desencanto: es la valoración, el reconocimiento de la humanidad e infinitud del Otro, lo único capaz de poner en marcha el deseo deapostar por la posibilidad de construir realidades compartidas

Examinar

Enviaments recents