Tesis Doctorals - Departament - Disseny i Imatge

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La llum, els colors i l'home
(Universitat de Barcelona, 1993) Muntané i Condeminas, Josep Oriol; Estrada Herrero, David, 1931-; Universitat de Barcelona. Departament de Disseny i Imatge
[cat] La fantasia i també un cert enigma ha embolcallat amb un vel de misteri tant la llum, símbol de la vida, com els calors que la vesteixen. Per això atragueren antigament els filòsofs i des del punt de partida de l'elucubració, fins i tot més que en els artistes pintors. Encara que sembli estrany això es pot entendre, perquè els artistes pertanyen a una estructura gairebé radical, en molts casos quasi brutal. Llur art cerca la realitat, no em refereixo a la física i òptica, sinó a la total de l'home, en la qual l'artista vol trobar resultats immediats. La meva posició en l’exposició d'aquest estudi ha estat, per una banda, procurar el màxim rigor objectiu o científic en el sentit d'evitar tota exaltació de la fantasia artística, procurant que la lògica funcioni de manera lo més implacable possible en els anàlisis del comportament dels colors coma tals. Seguint aquest propòsit he procurat demostrar fent servir un aparell elèctric de revolució la vigència de les teories exposades, ja que pintant en cercles de paper els colors, en les proporcions i qualitats que s'han plantejat en els problemes i fent-los giravoltar, es pot veure amb certa evidència fins a on s’agermanen la teoria i la realitat. Hi ha també una raó, que és a més la fonamental, la qual m'ha portat a fer aquest estudi, que és el fet d'esser artista pintor de professió i això suposa la necessitat d'una predisposició a distingir la qualitat, personalitat i relació que tenen els colora. Convé insistir en aquesta positura personal davant l'espectacle dels colors; per exemple un físic té enfront de llur ulls la gamma il·limitada dels grocs, calents, freds, foscos, clars, però un artista pintor davant d‘aquesta paleta és el més preparat per escollir quin és el groc que més s'assembla al groc espectral, això és molt fonamental per treure conseqüències encertades del comportament i influències dels colors entre ells mateixos.
La obra de Jordi Vilanova como diseñador y empresario de la decoración. Estudio de su trayectoria y análisis de su producción 1939-1978
(Universitat de Barcelona, 2024-02-12) Río Sánchez, María Isabel del; Pelta, Raquel; Universitat de Barcelona. Departament de Disseny i Imatge
[spa] La presente investigación se centra en la trayectoria y producción de Jordi Vilanova i Bosch (Rubí, 1925 – Barcelona, 1998), un ebanista e interiorista catalán que trabajó durante la segunda mitad del siglo XX en la ciudad de Barcelona dejando un importante legado proyectual. Durante las décadas de 1960 y 1970 inauguró varias tiendas con exposición permanente de mobiliario, tapicerías, lámparas, alfombras, etc., que llegaron a ser emblemáticas. Estuvo presente en la mayoría de acontecimientos relacionados con el ámbito del diseño de mobiliario y la decoración, los cuales atestiguaron la llegada de la modernidad a Cataluña, como los Salones del Hogar Moderno y las Ferias Hogarotel, la Asociación de Diseñadores Industriales del FAD o los Premios Delta al mejor diseño industrial. El nombre de Vilanova está estrechamente ligado al de La Cantonada, un colectivo artístico multidisciplinar que entre 1960 y 1975 realizó proyectos integrales de arte civil y arte sacro. Gestor de Ars Sacra en su segunda etapa (1962-1974), el grupo estuvo formado por el ceramista Jordi Aguadé, el orfebre y joyero Aureli Bisbe, el arquitecto Jordi Bonet y el pintor y vidriero Joan Vila-Grau. La investigación elaborada nos lleva a pensar que Jordi Vilanova fue un diseñador precursor de la profesión, capaz, además, de crear un lenguaje propio para el diseño catalán basado en una síntesis entre el diseño nórdico y el mobiliario popular mediterráneo.
Oficina Alvares Ribeiro: uma família de impressores, editores, livreiros e papeleiros, do Porto e de Vizela (Portugal), do século XVIII ao XX
(Universitat de Barcelona, 2003-06-30) Ferreira, Joaquim Antero Magalhães; Tormo i Ballester, Enric; Universitat de Barcelona. Departament de Disseny i Imatge
[por] A escolha do objecto central desta dissertação de doutoramento recaiu sobre o estudo das empresas familiares dos Álvares Ribeiro (designadas aqui como OAR), naturais de Vizela e Porto, onde também se fixaram, com significativo percurso industrial tipográfico e papeleiro, durante o decurso de três séculos (1760–1935). A "Oficina Alvares Ribeiro — uma família de impressores, editores, livreiros e papeleiros, do Porto e de Vizela (Portugal), do século XVIII ao XX", percorreu três períodos políticos marcantes, desde a época Josefina (ou Pombalina) até ao salazarismo, atravessando as últimas monarquias, passando pela Primeira República (1911) e terminando em pleno Estado Novo (1926), sempre salpicados por momentos conturbados como o terramoto de 1755, as Invasões Napoleónicas de 1807–10 e as sucessivas guerras civis, desde o Vintismo (1820–23) à Regeneração (1852–68). O plano de estudo que desenhamos centra-se num esquema tripartido que aborda: nos tomos um e dois, a introdução, a visão histórica e global da actividade empresarial da OAR (em paralelo com outros acontecimentos nacionais e estrangeiros de maior relevo), os instrumentos metodológicos utilizados e o estudo exaustivo da actividade do fundador da OAR António Álvares Ribeiro Guimarães (1731–74); no tomo três, dois estudos extra-tema mas complementares desta tese: o primeiro impressor português datado (Porto, 1497) e a primeira fábrica de gravação e fundição de caracteres em Portugal (Lisboa, 1730/2); nos tomos quatro e cinco, as conclusões, as fontes e a bibliografia, um glossário e o índice de autores nas obras impressas pela OAR. Esta tese é o primeiro estudo intenso de uma estrutura familiar da indústria tipográfica e papeleira em Portugal entre os séculos XVIII e XX, resultando em quatro gerações durante 175 anos de actividade ininterrupta ao longo de três séculos, 98 anos de actividade de impressão, 146 anos de actividade papeleira das três fábricas de papel e mais de uma dezena de instalações diferentes em duas cidades.
En busca del infinito: interpretación de los conceptos claves del arte, siguiendo las propuestas de autores referenciales
(Universitat de Barcelona, 2021-07-28) Fernández Fernández, Raúl; Tormo i Ballester, Enric; Universitat de Barcelona. Departament de Disseny i Imatge
[spa] Partiendo de la metafísica neoplatónica, vemos cómo el hombre indaga en la reconversión al origen. Según dicha filosofía, el hombre se encuentra en lo más bajo del estatus, es decir, la materia como tercera hipóstasis. Utilizando la belleza intentará alcanzar en un movimiento ascendente dicho origen, de ahí que el hombre griego de la academia de Atenas busque la perfección en las diferentes obras artísticas, ya sea utilizando la proporción áurea en estructuras arquitectónicas o cánones de belleza en esculturas. Con la única finalidad de reconvertir la materia informe en principio espiritual, que es sinónimo de belleza. Belleza es, por tanto, el estado entre el uno y la primera hipóstasis, Afrodita, nacida de la fuente primigenia, que es Urano. Entre el Medievo y el pensamiento moderno surge un humanismo renacentista, un movimiento de transición en el desarrollo del pensamiento occidental que retoma textos clásicos y los reinterpreta, asimilando la cultura romana y la griega, lo cual facilita la aparición de la academia neoplatónica. Agrupada en torno a la figura de Masilio Ficino desarrolla una forma de pensar, nuevos sentimientos y aspiración ideal de la vida. De esta manera, surge la idea de que el amor genera movimientos del alma que dan lugar a la felicidad en la Tierra y después en la vida ultraterrenal. La escuela florentina se nutre de las enseñanzas neoplatónicas. El amor es el movimiento de reconversión y retorno de la materia, capaz de alejar al hombre de lo terrenal hacia etapas superiores. La alegoría de la primavera y El nacimiento de Venus representan dicha idea. Entre los siglos XVII-XIX se produce un cambio en la búsqueda del Dios. Aunque se sigue manteniendo una relación con la idea de lo divino, Kant anuncia un cambio. El dios griego entendido como finito toma una naturaleza infinita: ello se fundamenta en que la razón comprende la noción de infinito en la naturaleza y el alma. Y, en segundo lugar, en el Romanticismo, el Dios entendido por Kant como naturaleza infinita adquiere un papel de eterna revelación: primero, en la infinitud que se percibe en la naturaleza; después, en el espíritu finito y, por último, en Dios manifestado en lo más profundo de la naturaleza: a través de su lado más oscuro, reflejado en leyendas e imágenes alucinadas del inconsciente humano. Finalmente, el Dios entendido como símbolo artístico e idea, en su capacidad de crear múltiples singulares, utilizando al sujeto para manifestarse en toda su plenitud, de forma ilimitada. Artistas como Velázquez desarrollan símbolos sublimes que no agotan sus posibilidades y que siempre son abiertos, claro ejemplo del proceso manifiesto del Dios creador e inagotable. De ahí que la grandeza del artista sea formular símbolos e ideas con capacidad de posibilitar singulares de reflexión, acción o sensibilidad estética.
Artivismo: análisis y caracterización de las prácticas artísticas que colaboran en el desarrollo social de Internet
(Universitat de Barcelona, 2005-12-20) Urroz Osés, Ana; Baigorri Ballarín, Laura; Universitat de Barcelona. Departament de Disseny i Imatge
[spa] Investigación en torno al ARTIVISMO, prácticas artísticas específicas de Internet que aúnan arte y activismo político. En la búsqueda de las características específicas que otorgan valor artístico, se analizan las prácticas sociales en Internet buscando coincidencias en ambos procesos. Del mismo modo, se traza un recorrido por algunos antecedentes históricos de la relación entre arte y política, y entre arte, política y tecnología. Por último, se establece una caracterización de las manifestaciones artivistas que justifica la pertinencia del arte de Red en el desarrollo social de Internet, así como el grado de efectividad de las mismas.
Vidas trazadas. Análisis de los modelos de libertad diseñada en el videojuego
(Universitat de Barcelona, 2018-07-06) Pinel Cabello, Francisco José; Pérez Latorre, Oliver; Baigorri Ballarín, Laura; Universitat de Barcelona. Departament de Disseny i Imatge
[spa] Esta tesis doctoral se centra el estudio de la libertad como valor trasmitido a través del diseño en videojuegos. La consideración principal para determinar un objeto de estudio de estas características se basa en la forma en que el diseño videolúdico actual está abriéndose al desarrollo de mundos ludoficcionales que permiten un potencial de interacción y experimentación, con conciencia sobre el sentido de agencia y performatividad con el que el jugador se adentra en estos espacios de contingencia. En base a ello, tomaremos como referencia fuentes teóricas del game design para intentar aportar una visión particular del diseño a partir de tres líneas o estéticas definitorias del mismo: el reglamento, la gameplay y la narrativa. Todo ello en referencia a los conceptos clave de mundo ludoficcional y jugador modelo, desde los cuales el diseño adquiere significaciones específicas que apuntan a la creación de experiencias en la línea buscada por este trabajo. El desarro teórico se centra en establecer las bases conceptuales y los criterios necesarios para intentar aportar una metodología a través del establecimiento de una serie de modelos para el diseño de experiencias de libertad derivada del juego, tanto desde una perspectiva macro-estructural de la experiencia global, como desde la posible constitución de espacios de libertad a nivel micro-estructural. Los resultados de la investigación se contrastarán mediante su aplicación sobre el estudio de caso final del videojuego The Legend of Zelda: Breath of the Wild (2017).
Emotional Architecture for Everyday Life. Architectural Design for Senior Living Oriented by the Psychological Pattern of Elderly People
(Universitat de Barcelona, 2016-07-15) Wang, Qin; Pelta, Raquel; Bravo i Farré, Lluís; Ameller Ferretjans, Carles; Universitat de Barcelona. Departament de Disseny i Imatge
[eng] Facing the challenges to address complex issues associated with global environmental change and population ageing in the 21th century, architecture design in the developed or developing regions and countries all needs to play a role as a cost-effective tool for sustainable development of our human society rather than a creation only for the sake of art or consumption. This means a substantive ideological change to assess the essential value of architecture according to its long-term impact on people’s health and well-being instead of its metaphysical beauty, and more urgently, calls for some effective and efficient approach for architectural research and practice to integrate all the ethical, aesthetic, environmental, technological and economic considerations into an appropriate architectural model. Beyond an intuitive assumption that the design of built environment affects people’s Health and well-being, and can have long-term implications for the quality of life, this research tends to provide an evidence-based theoretical and methodological orientation to entail architecture with such positive effects, and hence started from a hypothesis that positive emotional effect is the key linkage to correlate aesthetic experience in and of architecture to human subjective well-being (SWB), which is a predominant indicator for measuring general well-being. Accordingly, emotional architecture for everyday life was coined as a special term in this research to represent such an architectural model that functions as a motivation generator for increasing positive human-environment interactions as well as an affective environment for enriching and regulating human emotional state on a basis of daily life. An interdisciplinary framework involving the research fields of environmental aesthetics, positive psychology and emotional design was formulated as theoretical foundation to direct this research. This qualitative research has combined two research strategies of bibliographical review and field study in order to capture the pluralistic qualities of this research in relation to the multiple disciplines of psychology and neuroscience, social science, gerontology, and the professional areas of elderly care and care facility development. Seven research methods including close and extensive reading, access to official documents and statistics, field study notes and photography, semi-structured interviews, participant and non-participant observations have been used for data collection; and narrative, descriptive and interpretative analysis have been respectively employed regarding each research objective. Such a mixed method approach was considered to accumulate diversified research materials and perspectives as much as possible. The theoretical research to identify the general concept and methodological model of emotional architecture for everyday life and the applied research to test its applicability in the specific domain of architecture design for senior living have been conducted and sequentially presented as Part I (Chapter 1 & 2) and Part II (Chapter 3, 4 & 5) in this thesis. In Chapter 1, the related philosophical and psychological theories about the role and functioning mechanism of emotions in influencing people’s perception, motivation and behavior for formulating ethical ideology, aesthetic appreciation, environmental interaction and subjective well-being have been reviewed and taken as evidence to study why and how emotional design approach is possible to comply user experience of a product or environment with user’s long-term well-being. Chapter 2 shows a filtering process to discern the exemplary qualities and design mechanism of emotional architecture for everyday life from the previous architectural design theories and practices by synthesizing the multidisciplinary knowledgereviewed in Chapter 1. Chapter 3 interprets the main influential factors that affirm or oppress design quality and efficacy of senior living architecture in a global context. Chapter 4 explores the essential spatial implications responsive to elderly’s psychological needs for everyday life through a series of field studies in a selected public care facility in Barcelona. Chapter 5 presents case studies on four selected architectural projects for senior living in order to generalize the applicable design methods for positive emotional effects. An inherent difference in aspect of the cognitive process for aesthetic appreciation has been found among artists, design professionals and non-professional users/appreciators, which implies an empathetic thinking with the users and/or occupants of architecture is necessary for architectural designers to filter the effective emotional stimuli and design approach for positive emotional effects in the design process. A general distance between the actual efficacy of senior living architecture and its socio-political target of promoting social and individual well-being has been detected to emerge because that (1) an inherited mind-set of relying on social manifestation and engineering measures has resulted in a bureaucratic formula of architecture design to apply the standardized configurations and technologies; and /or, (2) aesthetic design associated with traditional formal and stylistic aesthetics of architecture does not respond to a user-centered design thinking and evidence-based design methodology at psychological level. With regard to achieving the substantive quality of senior living architecture in an aged society as being perceived as safe, healthy, appealing and healing environment for all ages, technical design measures for compensating physical/mental frailty and disabilities need be fused into a humane backdrop rather than being highlighted as indifferent devices. Hence, a methodological model for designing emotional architecture for everyday life and a working model of emotional architecture design for senior living have been established and associated as a practical approach to enhance reciprocal improvement of architectural research and practice with an inclusive vision of human health and well-being. The overarching conclusion of this research has been that strong potential of architecture design to comply with the socio-political paradigm for general welfare goal lies in an integration of reality-based and future-oriented aesthetic philosophy of everyday life, scientific understanding of multidisciplinary knowledge on human factors, and the application of emotional design approach to adapt various targeted users, and existing cultural/natural context and economic/technical conditions.
Hipervínculo como proceso de diseño. Aproximación a las estructuras de la interacción en la web y su utilización para la construcción de metáforas en el diálogo visual
(Universitat de Barcelona, 2015-12-04) Uribe Aguilar, Sebastián; Mallol i Esquefa, Miquel; Ameller Ferretjans, Carles; Universitat de Barcelona. Departament de Disseny i Imatge
[spa] Este trabajo de investigación tiene como objetivo encontrar la relación que existe entre el hipervínculo y el diseño. Cuando se abre una página web cualquiera se puede observar que muestra imagen y texto. Algunas de esas imágenes o de esos textos son expandibles, desplegables o dinámicos… permitiendo ampliarlas en sí mismas; ese texto, esa imagen, expandida a través de un enlace se presenta en frente, en primer plano o superpuesto, para ser de nuevo percibido y volver a empezar. Luego pasa a ser una información enlazada, es decir, un hipervínculo, también conocido, comúnmente, como enlace o vínculo. Este elemento es fundamental en los documentos electrónicos porque remite a otro documento o a un punto específico del mismo. También puede accederse al recurso referenciado gracias a una red y un protocolo, mediante un agente navegador o mostrarlo como parte del documento referenciado o guardarlo localmente. Este proceso que constituye un conjunto de enlaces con sentido constituido (hipervínculo) requiere de la articulación e integración de una forma en un sentido, para lograr organizar su propio sistema de objetos. La alteración que deben sufrir las imágenes, sonidos y señales para su transmisión o reproducción produce una situación bastante conveniente para el diseño gráfico: un fenómeno que exige expresión y lógica. Un fenómeno que se en una relación de orden referencial que requiere del diseño para acercar aquel vínculo, a menudo lejano y dependiente de la memoria consciente, al sentido casi automático de lo narrado, más denso y fuerte, es decir, al referente de orden superior que está más imbricado en la memoria. Por tal razón, el estudio del enlace como uno de los componentes básicos de la “interfaz” y de los aplicativos web, con todas las posibilidades prácticas que actualmente se pueden prever en el uso del enlace, convierte este ejercicio de investigación en una visión teórica del diseño, en su propia naturaleza compleja. Esto se debe a que propone un análisis del vínculo y la relación que recoge en el diseño, el conjunto temático y crítico de la referencia, que permite una aproximación a las estructuras de la interacción en la web, además de que intenta incorporarlo en el núcleo mismo de la reflexión, como hipervínculo. En otras palabras, el estudio de la referencia hace operativa y posible una investigación de los contenidos teóricos que se dan en el hipervínculo. Además, se muestra la ampliación de la actividad proyectual básica del diseño y su utilización para la construcción de metáforas en el diálogo visual, integrando así la participación del usuario como agente cultural activo (interactor).
El diseño de producto en el siglo XX. Un experimento narrativo occidental
(Universitat de Barcelona, 2016-01-19) Campi i Valls, Isabel; Calvera, Anna, 1954-2018; Ametller Ferretjans, Carles; Universitat de Barcelona. Departament de Disseny i Imatge
[spa] Partiendo de las teorías de Hayden White y John Lewis Gaddis sobre la narratividad en la historia se componen una serie de relatos inéditos sobre el diseño de producto que hasta ahora no habían sido explorados sistemáticamente. Trabajando con fuentes secundarias, la investigación hace un recorrido por el siglo XX examinando la historia de la profesión, la historia de la enseñanza, la historia de los estilos, la historia de los ideales así como su relación con la historia de las ideologías que lo impregnan y los episodios históricos que han caracterizado este siglo. La construcción de estos relatos lleva a la conclusión de que es necesario ir más allá de los relatos generalistas y continuar por la vía de explorar aspectos más específicos de la historia del diseño.
Creació de models humans sintètics, home i dona, aptes per a aplicacions tecnològiques i científiques
(Universitat de Barcelona, 2015-05-26) Casas, Llogari; Ameller Ferretjans, Carles; Universitat de Barcelona. Departament de Disseny i Imatge
Als artistes l’estudi de l’anatomia els serveix, ens serveix, per entendre la relació entre la forma exterior i les estructures responsables de la creació d’aquesta forma. En aquest treball seguiré un enfocament similar en el desenvolupament de models basats en l'anatomia, especialment pel que fa als músculs i als ossos. Consideraré la influència de la musculatura en les formes superficials i desenvoluparé uns models de musculatura que s’adaptin automàticament als canvis de la postura d'un esquelet articulat subjacent que farà les funcions d’esquelet funcional. Els models s'implementaran en un llenguatge que ofereix uns mecanismes i procediments útils per definir i manipular models articulats de forma que a posteriori i amb un maquinari molt més potent també sigui aplicable a altres parts del cos humà no visibles (en el sentit d’afectables) des de la morfologia externa com poden ser el sistema limfàtic, el digestiu o el circulatori dels quals no se’n farà l’animació degut a la gran quantitat de recursos que es necessiten com a conseqüència de l’elevat nombre de polígons que contenen. Per mostrar el funcionament d’aquest procediment l’aplicaré en diverses situacions als dos models de figura humana realitzats en aquest treball. En aquesta tesi abordaré el procés de modelat d’un cos humà masculí sintètic i d’un de femení fent ús d’un software de representació tridimensional. L'objectiu final és la realització d'un model humà tridimensional d’home i d’un de dona amb la màxima fidelitat possible a la realitat. Els moviments i les animacions obtingudes amb ambdós models estaran sota llicència de Creative Commons per tal de fer viable els dos aspectes següents: 1. Que d’una banda aquests resultats puguin ser emprats pels estudiants d’arts en general i d’animació en particular per assolir coneixements anatòmics i poder així estudiar i analitzar postures i moviments que d’altra manera serien difícils de retenir. 2. Que en formar part d’una base de dades de moviments i estar aquests sota una llicència compartida tots ens puguem beneficiar de les aportacions que algú altre pugui també fer i incorporar a posteriori en aquesta base de dades. Aquest treball està estructurat en quatre capítols. En el Capítol I hi trobem una part introductòria on es detallen els antecedents històrics pel qu fa al procediment emprat, es justifica la realització del treball i es fa un repàs de les dues gransestructures, axial i apendicular, com a responsables de la major part de la geometria visible del cos humà El Capítol II fonamenta teòricament la creació de gràfics 3D en general, el sistema de modelat emprat tot comparant-lo amb els altres sistemes i el procés tècnic de riggejat i mapejat del models generats. En el Capítol III es detallen les característiques necessàries que han de reunir els esquelets funcionals per poder rebre animació de forma automatitzada i s’aplica l’animació a aquests a partir d’arxius MoCap. En el Capítol IV es detalla la implementació de les animacions en quatre simuladors 3D i es valoren les possibilitats que té cadascún i les funcionalitats que podrà fer servir l’usuari.
Instalaciones artísticas de interacción: el espacio de la metáfora
(Universitat de Barcelona, 2016-02-10) López Aguayo, Josefina; Vela, Alicia; Casacuberta, David, 1967-; Agustí, Eugènia; Universitat de Barcelona. Departament de Disseny i Imatge
[spa] Con origen en la experimentación y surgidas a principios del siglo XX, las instalaciones artísticas interactivas devienen una nueva forma de expresión. Recientemente, gracias a los avances en robótica, inteligencia artificial y neurociencia, tales instalaciones alcanzan un nivel de alta sofisticación en la relación humano-máquina. Para estos espacios 'inteligentes' uso el término: Instalaciones Artísticas de interacción performática (IAI-P). Lo novedoso de estos entornos ha hecho que no hayan estudios que los analicen desde la perspectiva del agente. Con el objetivo de explorar este problema, se revisan tres teorías cognitivas relacionadas: la metáfora conceptual (Lakoff y Johnson), los esquemas imaginísticos (Johnson) y la integración conceptual (Fauconnier y Turner) usando doce IAI-P seleccionadas. Para conseguir nuestro propósito se traslada en primer lugar el significado simbólico de las instalaciones a las metáforas lingüísticas, siendo éstas analizadas a partir del modelo lakoffiano. Mostrándose un modelo útil pero insuficiente. Se mejora la explicación de los proyectos mediante la teoría de la amalgama (Blending Theory), la cual requiere la mezcla de la información contextual del presente del agente y la información de su pasado. Se pone así de relieve la compresión de algunas relaciones vitales entre los inputs de entrada con las que se construye la amalgama. Se estudian los procesos sensoriales, principalmente los procesos sensomotores, características perceptivas, procesos metafóricos, y las reacciones emocionales del agente. Conclu-yendo que: (i) las reacciones automáticas sensomotoras causadas por buena parte de las IAI-P analizadas son relevantes para los procesos de significación; (ii) estas producciones conllevan cambios sensoriales y subsecuentemente perceptivos específicos para el agente en las IAI-P. Finalmente, se propone que la Teoría de la Integración Conceptual es un modelo funcional para interpretar las operaciones cognitivas en los agentes de las IAI-P.
Catalogación de la obra fotográfica de Pedro Ferrer. Propuesta de creación de un archivo virtual unificado
(Universitat de Barcelona, 2016-02-08) Baldani Cámara, María Ana; Tapias Gil, M. Dolors; Ameller Ferretjans, Carles; Universitat de Barcelona. Departament de Disseny i Imatge
[spa] Pedro Ferrer (1870-1939) desarrolló una ingente labor como fotógrafo e impresor en España y en la Papelería de Ferrer, la que luego de varias décadas de funcionamiento en la Calle Real 61 de La Coruña, se disolvió después de su fallecimiento. El patrimonio familiar se dividió entonces entre sus hijos, y es de esta manera como llegó parte del mencionado archivo a Buenos Aires en la década del ’40, con motivo de la emigración de tres de sus hijas y herederas a Argentina. Este fue el inicio de la propuesta del tema de investigación para la tesis doctoral, ya que el material original de Pedro Ferrer, cuyo valor histórico y documental podía intuirse, se consideraba desaparecido y, sobre todo, diseminado por incontables archivos personales y familiares en Galicia y en el mundo entero debido a las características propias de su extensa labor en el área de la tarjeta postal ilustrada y fotográfica. La obra fotográfica de Pedro Ferrer pertenece al grupo de los primeros, de los pioneros, en Galicia. Muy pocos fotógrafos se hallan documentados en profundidad en esa región desde la aparición de la fotografía, a mediados del siglo XIX. Su obra acompañó el cambio de siglo, vivió la etapa denominada entresiglos, enriqueciendo con su aporte el panorama nacional y regional, haciendo posible el conocimiento de una región, la suya, a través de imágenes que relatan su geografía, sus costumbres, artes y vida. Su amplia y variada labor de documentación de la Galicia de inicio del siglo XX cobra hoy particular relevancia y valoración histórica. Los avances técnicos propios de la fotografía en relación con las artes gráficas contribuyeron a cimentar el floreciente negocio de Pedro Ferrer en La Coruña. En el nacimiento, desarrollo y ocaso de la Papelería de Ferrer conoceremos una especial participación de tres regiones geográficas diferentes como son Cataluña, Galicia y Buenos Aires. Esta propuesta de trabajo demandó: A - Localizar y reproducir las imágenes de Pedro Ferrer conservadas en Archivos y colecciones públicas y privadas. B - Localizar la documentación referida tanto a su vida como al comercio familiar que permitiera conocer su biografía y desarrollo profesional. Al reconstruir la biografía y la obra de Pedro Ferrer, creemos estar contribuyendo al conocimiento de la Historia de la Fotografía Española y más específicamente a la Historia de la Fotografía en Galicia. Creemos también que, al hacerlo, podremos entender la importancia que su accionar ha tenido en pro de la difusión de la fotografía en Galicia, y en especial en su ciudad: La Coruña. Esta importancia es tal que sus publicaciones, en especial su Portfolio Galicia y su serie de tarjetas postales, han dado la vuelta al mundo y han llevado la fotografía a una gran cantidad de países y ciudades. Con este trabajo de investigación, aspiramos entonces a enriquecer el panorama de la fotografía gallega a través de un catálogo virtual que recupere la obra fotográfica de Pedro Ferrer de la diáspora que la ha caracterizado.
El buen hacer. El respeto al oficio desde los valores tradicionales como propuesta metodológica para una práctica fotográfica actual
(Universitat de Barcelona, 2016-01-28) Martín Fernández, Diego; Laguillo, Manolo, 1953-; Martín Segura, José Aureliano; Tormo i Ballester, Enric; Universitat de Barcelona. Departament de Disseny i Imatge
[spa] La ruta propuesta en esta investigación comienza con una introducción en la que se analiza la idea básica del “buen hacer” en la praxis del fotógrafo. Para ello, se empieza con una breve panorámica sobre el interés que ofrece el tema en la actualidad fotográfica, acercándose a otras disciplinas o estadios de conocimiento con los que posicionarse. Tras ello, se justifican las aportaciones que se ofrecen del tema, su viabilidad y el sentido que tiene tratarlo. Una vez aquí, se ha definido la intencionalidad de la tesis enumerando una serie de objetivos, desde los más genéricos a los específicos, bajo la premisa de dar respuesta a lo que se pretende demostrar y para qué. En la metodología se ha realizado una descripción que explica cómo se han dividido y organizado los procesos de los cuatro tipos de análisis seguidos en esta tesis. En concreto, se han utilizado tres métodos de recopilación de datos cualitativos –una revisión bibliográfica, varias conversaciones con expertos del sector y la técnica de los grupos nominales- y el cuantitativo –análisis estadístico-descriptivo, de relaciones y multivariante de datos-. El marco teórico se ha centrado en fundamentar el proyecto desde distintas aportaciones paralelas, ideologías, líneas de pensamiento, postulados, referencias teóricas y visuales, ideas afines y contrarias al tema, influencias de distinta índole y estadios de conocimiento ya existentes, pero que contextualizan esta investigación. En concreto, las teorías procedentes de las Ciencias Culturales, como son el Estructuralismo y el Constructivismo aportan el marco diacrónico en la evolución tecnológico fotográfica, en situaciones históricas extrapolables a la actualidad digital y en los textos de fotógrafos que escribieron sobre el oficio. El sentido de la ortodoxia y la heterodoxia en la fotografía, y su vínculo con la Retórica, la teoría sobre los afectos, el Realismo, así como el concepto de realidad, han servido para posicionar el “buen y saber hacer” fotográfico, basándose en parámetros tales como la mecanicidad de la cámara, la voluntad de controlarlo hacia una visión personal, la influencia de la época y el hábito en la cultura fotográfica. Por último, la importancia de conceptos afines a la investigación, como: la técnica; tecnología; el método; el concepto de funcionario; el automatismo; la diferencia entre profesionalización, afición e intrusismo; la idiosincrasia para la fotografía; la definición sobre el “buen hacer” fotográfico, y la noción diferenciable de obra fotográfica y mera fotografía según la Ley de Propiedad Intelectual. Para concluir el bloque, ha sido primordial realizar un repaso histórico que acomodara cada avance mecánico de la fotográfica en su tiempo, según las fases eotécnica, paleotécnica y neotécnica, en busca de situaciones extrapolables a la actual de transición de un sistema a otro. Una vez se estuvo en disposición de formular una hipótesis de la investigación, se buscó la manera de especificar claramente el gran objetivo a seguir. Partiendo del proceso lógico de trabajo planteado en la metodología y de las bases conceptuales iniciales incluidas en el marco teórico, el cuerpo de la investigación se ha centrado en elaborar un recorrido en el que se analizan los contenidos elaborados en los distintos métodos seguidos. De modo que se han podido asentar las bases definitorias, analizando los datos que se han ido obteniendo, las referencias o contrastando con otras teorías. Por otro lado, se han unido los resultados de las conversaciones con expertos y los grupos nominales, puesto que las respuestas coincidían en un alto porcentaje. Paralelamente, se han analizado los resultados de la encuesta difundida, comenzando por una descripción de los datos recopilados en la muestra nacional hasta un análisis multivariante de datos. Por último, en el análisis jurídico, se reflexiona sobre la protección legal que se le da a la fotografía, usando la propia Ley de Propiedad Intelectual y distintas sentencias. Para finalizar, se han establecido cuatro conclusiones y se ha reseñado un listado de libros y materiales usados en la bibliografía. Se adjuntan varios anexos con las transcripciones de las conversaciones con varios expertos de la especialidad, las tablas, gráficas e ilustraciones elaboradas para el análisis estadístico y la documentación gráfica obtenida en las sesiones con los grupos nominales, entre otra información de interés.
El diseño gráfico y sus profesionales. Retos y definiciones
(Universitat de Barcelona, 2016-01-22) González Mardones, Sheila; Hoyo Arjona, Jesús del; Ameller Ferretjans, Carles; Universitat de Barcelona. Departament de Disseny i Imatge
[spa] El diseño gráfico es una actividad transversal en nuestra sociedad, amplia y relevante para muchos sectores. Está presente de forma destacada y no solo funcional en los contextos económicos y en los culturales, conforma el imaginario colectivo de nuestro día a día y configura aquello que queremos que trascienda, su realidad y su valor es innegable, el cambio que está produciéndose en su propio seno y también en los vínculos que genera con la sociedad son suficientemente importantes como para ser analizados y estructurados. Estos datos han sido ampliamente constatados pero nunca han sido investigados hasta el momento. La investigación aborda el estudio de la actividad y la profesión del diseño gráfico y la comunicación visual desde una perspectiva analítica que permite evidenciar cuales han sido los factores históricos, sociales, económicos, tecnológicos, etc. que han provocado un cambio de paradigma en el campo del diseño gráfico y la comunicación visual y en el perfil profesional de las personas que se dedican, así como en las necesidades didácticas que las mismas requieren. Tres son los ejes que, como demostraremos a lo largo de esta tesis, definen el cambio de paso de oficio a disciplina, el cambio de autónoma a multidisciplinar y el paso de individuo a colectivo.: oficio ----------> disciplina; autónoma/independiente -----------> multidisciplinar / transversal; individuo ------------------> colectivo Esta tesis estudia la profesión con la intención de analizarla, definirla, reformularla, establecer sus límites, y con ello, definir las competencias que deberían cumplir los diferentes profesionales del sector en la actualidad.
El "fake" y el asalto a la comunicación. Evolución de las prácticas artísticas y activistas de manipulación de los medios (1968 - 2014)
(Universitat de Barcelona, 2016-01-18) Brusadin, Vanni; Baigorri Ballarín, Laura; Ameller Ferretjans, Carles; Universitat de Barcelona. Departament de Disseny i Imatge
[spa] En esta investigación se propone una revisión de la noción de ”fake” en cuanto conjunto de prácticas creativas, públicas y críticas basadas en la invención de acontecimientos y nombres inexistentes, la propagación de desorden simbólico en situaciones hiper-codificadas y la manipulación de mensajes de los medios. La hipótesis principal apunta que el “fake” es una operación cuyo fin no es tanto la falsificación de la información, sino una táctica de no ficción para poner en marcha un proceso de desactivación de los mecanismos habituales de construcción y reafirmación de los “frames” (o marcos interpretativos), sugiriendo así una analogía con los mecanismos de construcción de la ideología. La segunda hipótesis gira en torno a la noción de conflicto simbólico: a pesar de jugar a menudo con la ironía y lo absurdo, el “fake” no es sátira ni entretenimiento, sino una operación que activa la posibilidad de cuestionar discursos dominantes y robar el capital simbólico de determinados actores sociales. En este sentido, tiene la capacidad de alimentar dinámicas propias de la esfera pública en cuanto espacio vital y palpitante de una comunidad. Por último y muy importante, se plantea la posibilidad de entender el “fake” como una operación al mismo tiempo tecnológica y social que hace visible (y en cierta medida cuestiona) la mediación en la construcción de las ideas en la sociedad de la información. El estudio de casos mostrará cómo la evolución del espíritu del “fake” en diferentes contextos tecno-sociales (la sociedad de la comunicación de masas, la época utópica del Web y actualmente la sociedad de la conexión ubicua y de la producción de datos) refleja y al mismo tiempo interpreta creativamente transformaciones culturales y sociales más amplias.
Transbutch. Luchas fronterizas de género entre el arte y la política
(Universitat de Barcelona, 2016-02-05) Marchante Hueso, Ana; Ruido, María; Tapias Gil, M. Dolors; Ameller Ferretjans, Carles; Universitat de Barcelona. Departament de Disseny i Imatge
Esta tesis tiene tres objetivos fundamentales. En primer lugar, realizar un archivo de los movimientos sociales y las prácticas artísticas que han abordado las cuestiones de género en el contexto español desde una perspectiva queer y transfeminista. En segundo lugar, subvertir la propia lógica del archivo utilizando herramientas deconstructivas y metodologías queer. En tercer lugar, realizar un estudio sobre las masculinidades transgresoras producidas por las biomujeres en nuestro contexto.
El Pop a la manera del disseny gràfic català. El descobriment Pop del passat: dissenyadors - col·leccionistes
(Universitat de Barcelona, 2015-12-18) Fortea Castillo, M. Àngels; Calvera, Anna, 1954-2018; Ameller Ferretjans, Carles; Universitat de Barcelona. Departament de Disseny i Imatge
L’arribada dels anys 60 va representar, per a una bona part de les democràcies occidentals, l’inici d’una època de desenvolupament econòmic caracteritzat per la plena ocupació de la població i per l’aparició de la societat de consum, cosa que suposà una revolució en els hàbits i costums de la gent, en especial del jovent. Aquest fenomen es coneix com a moviment Pop. Pel que fa a l’àmbit del disseny gràfic internacional, els anys 60 va consolidar-se un nou estil, que pot ser reconegut com a Pop, els trets característics del qual destaquen per l’expressivitat dels seus traços. Cal incidir en el fet que les necessitats comunicatives de la creixent societat de consum eren diverses de la societat anterior a la 2a Guerra Mundial i, per tant, demandava una nova representació gràfica. Per altra banda, els artistes del Pop Art anglosaxó –cal considerar el Pop Art com el moviment artístic que millor va reflectir l’esperit de la dècada i el que va tenir un major impacte– van apropiar-se d’elements i tècniques pròpies de la disciplina gràfica, per la qual cosa els dissenyadors gràfics es van veure obligats a reaccionar a través d’un nou estil amb què es donés resposta a les noves necessitats comunicatives i es diferenciés dels artistes plàstics. A Catalunya, les propostes gràfiques del Pop també van arribar de l’exterior i van ser adoptades per l’àmbit del disseny gràfc català. Si la ciutat de Barcelona tradicionalment ha exercit un paper important com a centre de rebuda, assimilació, reinterpretació i re-expedició d’estils i de les últimes tendències gràfiques internacionals, en el cas del Pop el seu paper encara fou més decisiu. En un primer moment, l’estil Pop d’origen anglosaxó va ser aplicat en la producció gràfica de la indústria cultural en català, com també en altres productes culturals, tots ells compartint un mateix objectiu comú, el d’oposar-se al règim franquista i les seves directrius culturals. Posteriorment, la gràfica Pop catalana es deslliurà de la influència forània i desenvolupà la que pot considerar-se com la versió autòctona de la gràfica Pop o, el que és el mateix, el Pop a la manera del disseny gràfic català. En l’origen d’aquesta recerca hi ha la pretensió de respondre a la necessitat de treure a la llum aquesta gràfica, situar-la en el context històric i en el temps, amb les seves corresponents fases, amb els seus trets característics, i amb els seus principals representants; i, sobretot, reivindicar l’existència d’una versió Pop autòctona –deslliurada d’influències externes–, amb els seus trets característics, la seva aplicació amb finalitats tant ideològiques com culturals, i la seva gran aportació com a revitalitzadora de la tradició gràfica catalana.
El cartel político, social y cultural de la izquierda chilena en el Gobierno de la Unidad Popular: 1970-1973
(Universitat de Barcelona, 2016-01-18) Vico Sánchez, Mauricio Esteban; Ameller Ferretjans, Carles; Universitat de Barcelona. Departament de Disseny i Imatge
El objeto del trabajo de investigación que aquí se presenta ha sido la localización, rescate, datación, catalogación y documentación del conjunto de carteles o afiches que se editaron en Chile durante el período comprendido entre el lanzamiento de la campaña electoral de Salvador Allende para las elecciones presidenciales de 1970, hasta el golpe de Estado protagonizado por el general Augusto Pinochet que le puso término, acabando así con el Gobierno de la Unidad Popular, y con la vida del Presidente elegido democráticamente, Salvador Allende, en el Palacio de La Moneda. Por lo tanto, el período estudiado comienza el día 1 de enero de 1970 y concluyó el 11 de septiembre de 1973. El conjunto de carteles que se ha querido rescatar son los vinculados a la actividad de la izquierda política, en su mayoría los editados durante la campaña electoral y el período del Gobierno Popular, pero también los surgidos en el seno de los movimientos de izquierda para promocionar y dar a conocer al gran público chileno eventos de interés político, social y cultural. Para conseguir ese objetivo, especialmente el dar con los carteles editados y rescatarlos del olvido, se ha llevado a cabo una ingente labor de búsqueda de estos impresos y de cuanto material gráfico o periodístico pudiera servir para identificar, datar y documentar los ejemplares localizados. Una de las mayores aportaciones de esta investigación ha sido haber creado una colección de carteles que se pueda consultar, mostrar, exponer y divulgar dentro y fuera del país, tanto en formato libro, artículos o exposiciones. El autor de esta investigación tuvo conocimiento de la existencia de los carteles de la Unidad Popular a través de una larga amistad con personas como Waldo González y Mario Quiroz, ambos diseñadores gráficos y cartelistas, que ya habían trabajado profesionalmente durante aquella época. La investigación ha querido estudiar también su obra de esa época. Ellos fueron quienes le indicaron la existencia de esta producción y pusieron de relieve su importancia histórica, despertándole el interés por saber más de ella. Después, a través de estos profesores, se puso en contacto con los hermanos Vicente y Antonio Larrea, ambos diseñadores gráficos, y con Luis Albornoz, también diseñador y tercer miembro de la «Oficina Larrea», uno de los despachos de diseño que creó buena cantidad de carteles durante el período estudiado. La posibilidad de entrevistar personalmente a tantos protagonistas del cartelismo chileno supuso una gran oportunidad para recabar datos de primera mano sobre la situación del diseño como profesión en aquel entonces, y del modo de trabajar habitual entre los diseñadores. También, permitió hacerse una idea muy vívida de la época a medida que le fueron relatando sus recuerdos. Toda la información recabada a través de entrevistas se ha procesado e incluido en las fichas de catalogación de cada afiche, cuya elaboración se comentará más adelante. El trabajo de investigación propiamente dicho se inició dedicándolo casi exclusivamente a estudiar los afiches elaborados por la Oficina Larrea. Fue el prolegómeno de la investigación de doctorado, se llevó a cabo para obtener el DEA, es decir, el Diploma de Estudios Avanzados correspondiente al segundo año de los estudios de doctorado dentro del programa Investigación en diseño impartido por el Departamento de Diseño e Imagen de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Barcelona.
Diseño gráfico y fotografía en el activismo social. Estudio de casos
(Universitat de Barcelona, 2015-12-22) Santos Perales, Eduardo; Tapias Gil, M. Dolors; Ameller Ferretjans, Carles; Universitat de Barcelona. Departament de Disseny i Imatge
[spa] La investigación comienza con el trabajo realizado para la obtención del Diploma de Estudios Avanzados (DEA), en que la investigación generó varias preguntas como: ¿El diseño gráfico puede producir imágenes que mejoren la esfera social? ¿Quiénes se interesan por mejorar estas cuestiones sociales? ¿Existe algún tipo de diseño o actividad grafica que implemente en su quehacer estas problemáticas sociales? ¿Cómo lograr que los productores del diseño gráfico atiendan una elaboración basada en los intereses de la esfera social? ¿Cuáles son las problemáticas que requieren la atención de estos productores? A estas preguntas se sumaron nuevas, que dirigieron la investigación hacia el análisis del activismo social, se estudiaron imágenes activistas realizadas por Mitra Tabrizian, Guerrillas Girls, Oliviero Toscani, entre otros. Con la investigación realizada para el DEA se llegaron a responder algunos de los interrogantes y se iniciaron las directrices de esta tesis. Los resultados del DEA dejaron claro que las imágenes analizadas, que en su mayoría provenían del mundo del arte, cuentan con características propias del diseño gráfico y de la publicidad, cuestión que les permite llegar a un público más extenso que la audiencia habitual de la esfera del arte. Las imágenes activistas cuentan con un carácter educativo, reflexivo y denunciatorio, poseen un sentido socializador que por lo general es bien recibido por el núcleo social al que se dirigen, estas cualidades activistas son las que nos llevan a incursionar en el activismo social, y analizarlo desde la perspectiva del diseño gráfico. En un principio el objetivo principal de la investigación era el de desarrollar un proyecto pedagógico para implementar la enseñanza del diseño con la creación de un espacio de reflexión y concienciación sobre las cuestiones sociales y sobre las posibilidades activistas del diseño gráfico. La idea era ofertar el curso a diversas instituciones en las que se enseñara el diseño gráfico y en concreto en las ciudades de Saltillo y San Luis Potosí en México y Barcelona en Cataluña. Para la realización de esta parte se diseñó un curso que constaba de una conferencia titulada Arte, Diseño gráfico y activismo, y de un taller para aplicar los lineamientos de producción activista expuestos en la conferencia. Los resultados del taller eran la realización de productos gráficos que incorporaran los aspectos sociales trabajados por cada uno de los estudiantes y que serían expuestos para poder realizar las valoraciones finales del trabajo y esencialmente la recepción del mismo ante el colectivo para poder valorar la eficacia de los mensajes desarrollados. Se realizó la parte de la investigación que nos permitió desarrollar una primera experiencia docente en la ciudad de Saltillo y San Luis Potosí, pero desafortunadamente no se pudo desarrollar en Barcelona. El primer curso se llevó acabo en la ciudad de Saltillo, México en agosto del 2010, con el Cuerpo Académico Expresión Visual, de la Escuela de Artes Plásticas Profesor Rubén Herrera de la Universidad Autónoma de Coahuila. Una vez establecidos los puntos a desarrollar y establecidos los lineamientos de las investigaciones, se rediseñó la conferencia y el taller para abarcar las dos temáticas con el nombre de Diseño Gráfico Y Arte Activista Como Medio Para Concientizar A Las Tribus Urbanas. Se invitó a participar a la Universidad Autónoma de San Luis Potosí (UASLP), en concreto a la carrera de diseño gráfico que se imparte en la 11 facultad del Hábitat de la misma universidad. En esta experiencia se observó un incremento considerable en el interés de alumnos y maestros de ambas instituciones por el diseño activista, varios de los alumnos realizaron sus investigaciones de fin de grado enfocadas a cuestiones relacionadas con el activismo social, como el trabajo realizado por Virginia Reyes titulado Postales Informativas, Impulso Joven; también se observó un aumento considerable del interés en las problemáticas sociales en la producción de los trabajos del alumnado, por último se editó el libro Arte Activista en septiembre de 2010. Posteriormente los resultados del taller fueron expuestos en diversos foros a nivel internacional por profesores del cuerpo académico, ejemplo de ello fue el International Research Forum organizado por Daemen College, Amherst Nueva York en abril del 2013 donde fue expuesto por Magdalena Jaime Cepeda, y Jorge Laines J. La acogida del proyecto de investigación produjo varias aportaciones, además de esta tesis que fue el detonante de la misma. La consecuencia desafortunada fue no conseguir impartir el curso en Barcelona, las diversas instituciones y universidades de enseñanza del diseño invitadas como Bau Escola Superior de Disseny, La Llotja, entre otras, por cuestiones de tiempos, logística de sus materias y equipos de investigación no permitieron efectuar la segunda parte del proyecto docente planteado. Las necesidades de calendario para la finalización de la tesis doctoral obligaron a replantear la investigación llegando a desestimar la continuación del proyecto docente, dejando para el futuro la continuación del mismo. Nos hemos planteado la investigación del diseño gráfico social, que tiene como objetivo principal la comunicación dentro de la esfera social. No muy valorizado, se considera como un medio de manifestación visual, aun y cuando puede ser utilizado dentro de los sistemas sociales como un medio de información. En nuestros días, el diseño social podría gozar de una importancia singular en apoyo a la identificación, análisis y difusión de las problemáticas sociales. Es necesario revalorizar la enseñanza del diseño que se ocupe de lo social y lo sostenible, para que desde la propia disciplina se produzca un cambio en la manera en que se percibe desde la sociedad. Hemos mantenido de la anterior investigación un recorrido histórico a partir de las obras y valores que configuran el arte activista y el diseño gráfico social, para poder comprender su evolución y poder tomar una consciencia social entorno a ellos. La investigación del apasionante mundo de la producción activista deja un conocimiento profundo, que podría favorecer en el cambio de la educación del diseño gráfico y su integración en la parte de la sociedad que más necesidades tiene, si bien el arte político no producirá un cambio inmediato pero sí creará conciencia mediante la reflexión, los grandes pensadores y críticos del arte cuando hacen referencia al arte activista hacen hincapié en el cambio que este produce en la sociedad, en la esfera política y por tanto en el mundo, como ejemplo de ello el pensamiento de Benjamín que sugiere la politización del arte o Jorge Luis Marzo y Jorge Ribalta (2006, pág. 262) que plantean que la comunicación no es solo un vínculo con el lenguaje, las técnicas y los medios de comunicación masivos, sino que es de manera más fundamental la conciencia de la comunidad.
Sistemas visuales en identidades dinámicas
(Universitat de Barcelona, 2016-01-08) Lorenz, Martin; Hoyo Arjona, Jesús del; Ameller Ferretjans, Carles; Universitat de Barcelona. Departament de Disseny i Imatge
[spa] En este momento el mundo del diseño gráfico está experimentando cambios relevantes motivados por el momento social que estamos viviendo, con todo el sistema económico inmerso en una crisis que afecta a las empresas y los consumidores, las redes sociales que transforman nuestra manera de comunicarnos y las nuevas tecnologías que nos permiten comunicarnos diferente. Este contexto está promoviendo cambios en la propia profesión del diseñador gráfico y la manera en cómo diseñamos identidades visuales. Nos encontramos, pues, nuevos aspectos de la profesión que requieren nuevas especializaciones y herramientas que permitan reaccionar con agilidad a la nueva realidad. Esta nueva realidad queda reflejada en algunas nuevas identidades visuales: NYC, MIT Media Lab (Massachusetts Institute of Technology), Aol, Google, Swisscom, MTV, Ciudad de Amsterdam, Myspace, etc… que nos muestran las posibilidades de implantación flexible de identidades visuales en ciudades, empresas, colectivos, productos, instituciones, organizaciones y eventos. Los propios diseñadores de los proyectos mencionados hablan de identidades dinámicas, líquidas o fluidas. La nueva terminología se opone a la identidad visual estática basada únicamente en un logotipo inmutable. En este sentido, los sistemas visuales para identidades visuales flexibles son una herramienta muy efectiva de control y desarrollo del diseño, y son imprescindibles ante la generalización del “outsourcing”. Sin duda el diseño debe asumir estas nuevas formas de desarrollo proyectual que se alejan mucho de la manufactura artesanal y radicalmente personalizada del proyecto, donde la empresa que crea y diseña es diferente de la que aplica y ejecuta. En este contexto, los sistemas visuales son la definición de los elementos de la identidad visual y las reglas que sirven para conjugarlos. Hay que tener también en cuenta que debido a la gran velocidad en que nuestro mundo se cambia, una identidad ni puede permitirse permanecer estática por demasiado tiempo ni cambiar absolutamente, dado que tiene que garantizar su reconocimiento. Ante este hecho los sistemas visuales tienen un papel clave, dado que permiten crear identidades visuales flexibles de larga duración dejando algunos parámetros abiertos con objeto de poder adaptar la identidad a los nuevos retos sin perder rasgos identitarios significativos. Los sistemas visuales son, además, una herramienta para sistematizar el proceso de formalización y aplicación agilizándolo y, consecuentemente, abaratando los costes globales del proyecto: una vez definido el sistema visual y debidamente introducido mediante lenguaje de programación, el mismo ordenador puede generar directamente las aplicaciones, o generar mediante combinatoria las diferentes posibilidades de éstas, de forma que el diseñador sólo tiene que escoger la más adecuada y no ejecutarlas una a una con todo el tiempo y las decisiones que esto conlleva. En todo caso, observar que no se apuesta ni se plantea una mecanización, ni una automatización como objetivo o como destino, sólo se constatan realidades que ya se están produciendo y que proponen nuevas oportunidades para la profesión del diseñador de identidades visuales y sus clientes. El diseño se extiende, se expande y se adapta y en este trabajo se recoge, se evalúa, se analiza, se valora, y se proponen herramientas para reconocer los actores de estos cambios. La reciente aparición en el mundo del diseño gráfico de las identidades visuales flexibles y el hecho de que los estudios de diseño profesionales que las crean estén lejos de la realidad académica genera un vacío en el estudio, la definición y la denominación unificada de las mismas que esta investigación quiere llenar. Teniendo en cuenta lo que acabamos de explicar, la presente tesis se marca los siguientes objetivos: 3.1. Compilar proyectos nuevos y antiguos. Estudiar, analizar y conocer en profundidad los antecedentes y el contexto en el que aparecen los sistemas visuales que definen una identidad visual flexible. En la búsqueda de proyectos se incluye cualquier proyecto gráfico o tipográfico que emplea un sistema visual y crea una identidad visual flexible. La compilación no está limitada a la identidad corporativa. 3.2. Analizar modelos existentes de sistematización visual. Análisis bibliográfico de autores que proponen una sistematización del lenguaje visual. No sólo del ámbito del diseño gráfico, sino también del ámbito del arte, de la cartografía y de la visualización de datos. El objetivo es determinar los componentes, la estructura y los términos propuestos por los autores. 3.3. Cruzar los modelos existentes extraídos del análisis bibliográfico para detectar las coincidencias. El cruce de los modelos de distintos autores permitirá ver en qué términos o estructuras coinciden y puede resultar de ayuda a la hora de elaborar el modelo propio. 3.4. Realizar un modelo para el análisis cuantitativo de sistemas visuales que permita determinar mediante el análisis de casos qué partes de un sistema son variables y cuales son constantes. 3.5. Compilar términos usados por los diseñadores para describir las identidades visuales flexibles para ver si es posible establecer un orden o jerarquía en los mismos. Extraer los términos de las descripciones de diseñadores y estudios sobre sus proyectos de identidades visuales flexibles para ver si los distintos términos realmente responden a distintas realidades, a distintos países/culturas o simplemente a distintas modas. Todo esto tiene por propósito ordenar la terminología bien a partir de la ya existente o mediante la elaboración de tipologías que permitan clarificar y diferenciar distintos tipos de identidades visuales flexibles.

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